Klassisisme (ca.1650-1790) (Kan 2024)
Klassisisme og nyklassisisme, i kunst, historisk tradisjon eller estetiske holdninger basert på kunsten Hellas og Roma i antikken. I tradisjonens sammenheng refererer klassisismen enten til kunsten produsert i antikken eller til senere kunst inspirert av antikken; Nyklassisisme refererer alltid til kunsten som ble produsert senere, men inspirert av antikken. Dermed blir begrepene klassisisme og nyklassisisme ofte brukt om hverandre.
Vestlig maleri: Neoklassisisme
Nyklassisisme var en utbredt og innflytelsesrik bevegelse innen maleri, og den andre billedkunst som begynte på 1760-tallet, nådde høyden
Kjennetegn
Når den brukes til å referere til en estetisk holdning, påberoper klassisismen seg de egenskapene som vanligvis er assosiert med antikken - harmoni, klarhet, tilbakeholdenhet, universalitet og idealisme. På grunn av den høye hensynet til gammel kunst, brukes "klassisk" noen ganger til å bety at eksemplet er det beste av sin type (f.eks. Et klassisk eksempel på en villa). I forlengelsen av dette brukes “klassisk” også noen ganger for å referere til et utviklingsstadium som noen historikere og estetikere har identifisert som et vanlig trekk i det de har sett på som den konjunkturutviklingen av alle stiler. I slike ordninger er den klassiske fasen øyeblikket hvor stilen er på sitt fulle og mest harmoniske uttrykk; denne fasen er generelt antatt å følge en primitiv eller mindre fullstendig realisert fase og gå foran en "manerer," "barokk" eller "dekadent" fase der stilen mister sin opprinnelige kraft og noen ganger er meningsløst utdypet. Faser av vestlig kunsthistorie som med vilje etterligner det antikke eksemplet, kalles vanligvis neoklassisk.
I den vestlige tradisjonen deler perioder med klassisisme en ærbødighet for modellene fra antikken, men de kan variere mye i sin tolkning og anvendelse av disse modellene, avhengig av perioden og sjangeren (som maleri, arkitektur, litteratur og musikk). I den visuelle kunsten, foruten de generelle kvalitetene som er knyttet til den estetiske holdningen til klassisismen, har klassikere til å foretrekke noe mer spesifikke kvaliteter; disse inkluderer linje over farge, rette linjer over kurver, frontalitet og lukkede komposisjoner over diagonale komposisjoner inn i dype rom, og det generelle over det spesielle. Likevel, når kunstnere har referert til antikken, har de båret problemene og idealene i sin egen tid med seg, og tolket på forskjellige måter hva antikken hadde å tilby. Klassisisme har historisk sett blitt sett på som en av et antall polare motsetninger. Disse polaritetene kan utpeke estetiske eller kritiske opposisjoner (klassisk versus romantisk, klassisk versus avant-garde), eller de kan indikere historiske opposisjoner (i det følgende anses den første termen i hvert par å legemliggjøre de estetiske egenskapene til klassisismen: renessanse versus gotisk, Høy renessanse kontra manist, og poussinist kontra rubenist).
Arkitektur og billedkunst
Den klassiske tradisjonen ble ikke slukket i løpet av middelalderen, men på grunn av den resolutte innsatsen fra italienere fra 1500- og 1500-tallet for å absorbere antikken fra Classicism, var den italienske renessansen den første perioden med gjennomgående klassisisme etter antikken. Det 15. århundre arkitekten Leon Battista Alberti likestilte klassisisme og skjønnhet og definerte skjønnhet i arkitektur som ”harmonien og samstemmen i alle delene oppnådd ved å følge velbegrunnede regler [basert på studiet av gamle verk] og resulterte i en enhet slik at ingenting kunne legges til eller tas bort eller endres bortsett fra det som er verre. " Han sa at “billedhuggeren burde bestrebe seg så mye som mulig å uttrykke ved begge utvisningen… og peiling… av figuren, livet og karakteren… av personen. ” I maleriet skulle kunstnere velge emner som forherliget mennesket, bruke figurer som passer til handlingene som ble representert, og etterligne handlingenes utseende i den naturlige verden. I den visuelle kunsten er klassismen av renessansen markert i Michelangelos David (1501–04; Accademia, Firenze), i Raphaels portrett av Baldassare Castiglione (1516; Louvre, Paris), og i Donato Bramantes Palazzo Caprini (ca. 1510; Roma); ødelagt).
Eksemplene på antikken og renessansen i Roma ga standardismen for klassisismen de neste to århundrene i Italia, mens Frankrike i det 17. århundre, sammen med Albertis teorier, ledet de viktigste franske kunstnerne til en renset klassisisme. Spesielt viktig var Nicolas Poussin i maleriet (f.eks. Landscape with the Burial of Phocion [1648; Louvre]) og François Mansart i arkitektur (f.eks. Church of Val-de-Grace [1645–67; Paris; med Jacques Lemercier]). I 1700-tallets England ga klassisismen i arkitektur - basert på verkene og behandlingen til den italienske arkitekten Andrea Palladio, selv basert på romersk antikk og renessanse Roma - standarder for klassisismen som gjennomgikk engelsk og amerikansk arkitektur frem til begynnelsen av 1800-tallet (f.eks. Lord Burlington, Chiswick House, Middlesex, begynt i 1725; Thomas Jefferson, Monticello, Charlottesville, Va., fullført 1809). De akademiske tilbøyelighetene til engelske malere som Sir Joshua Reynolds ga leksjoner i renessanseklassisisme som dominerte et lignende spenn av engelsk og amerikansk maleri.
Ved midten av 1700-tallet ble klassisismen angrepet fra to retninger. Den autoritative likningen av klassisisme og skjønnhet ble utfordret av lengsel etter det sublime, slik at romantiske fantasier, suggererende hentydninger og bisarre oppfinnelser kom til å bli mer verdsatt enn klassisisme klarhet og verdighet. På samme måte ble den aksepterte overlegenheten i den romerske antikken utfordret av tilhengere av Hellas. Historikeren til gammel kunst Johann Winckelmann, for eksempel, så i gresk skulptur "en edel enkelhet og stille storhet" og formante kunstnere til å etterligne naturen ved å etterligne grekerne, for bare de har avslørt menneskets storhet - en klassisistisk læresetning oversatt fra Roma til Hellas. I skulptur ble dette programmet særlig fulgt av Antonio Canova. I maleriet, derimot, reetablerte Jacques-Louis David de formelle standardene for Raphael og Augustan Roma og gjorde klassisismen om til et verktøy som tjente de nye formanende og oppsiktsvekkende fagene malere ble bedt om å gjengi (f.eks. Oath of the Horatii [1784; Louvre]). Selvbeherskelse, storhet og enkelhet, sammen med presis skildring og nær kongruens av klar form og edelt innhold, fortsatte å utgjøre klassisismen i mange av verkene til senere kunstnere som Pablo Picasso, Aristide Maillol og Henry Moore.
Etter midten av 1700-tallet ble klassisismen i arkitekturen forbundet med rasjonalismen. Ulike neoklassisismer ble skapt av ærbødighet for greske, romerske eller renessansemodeller. Ved begynnelsen av det 20. århundre ble klassiske krav til harmoni, proporsjon og kongruens av deler brukt til ny teknologi for å gi orden til mange stiler. Arkitektene Le Corbusier og Ludwig Mies van der Rohe eksemplifiserte to forskjellige måter å tilpasse klassiske stilistiske egenskaper til moderne problemer og materialer.
Den andre kunsten
Perioder med klassisisme i litteratur og musikk har generelt falt sammen med de klassiske periodene i visuell kunst. I litteratur skjedde for eksempel den første store vekkelsen av klassisismen også under renessansen, da Cicero prosa ble spesielt etterlignet. Frankrike på 1600-tallet utviklet en rik og diversifisert klassisisme i litteratur, slik den også hadde gjort i billedkunst. Dramatikerne Pierre Corneille og Jean Racine var sammen med filosofene Blaise Pascal og René Descartes spesielt viktige. I England oppsto klassisismen i litteratur senere enn i Frankrike og nådde sin topp i 1700-tallets skrifter av John Dryden og Alexander Pope. Gotthold Ephraim Lessing, Johann Wolfgang von Goethe og Friedrich Schiller var hovedpersoner i den tyske klassiske litterære bevegelsen. På begynnelsen av det 20. århundre ble TS Eliot og talsmenn for den nye kritikken noen ganger betraktet som klassikere på grunn av sin vekt på form og disiplin.
I musikk oppstod den store klassiske perioden på slutten av 1700-tallet og ble dominert av komponister fra det tysktalende området i Europa: Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Christoph Gluck og den unge Ludwig van Beethoven. Musikken deres er polert, raffinert og melodisk. I deres tidsalder ble instrumentell musikk viktigere enn vokalmusikk for første gang i historien. Intenst interesse for slik musikk og i normalisert "Klassisk" form førte til standardisering av symfoniorkestre, kammerensembler, pianoer og forskjellige komposisjonsformer.
